YouTube - historia del cine

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INTRODUCCIÓN: ¿Qué es el cine?


El cine es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún video. El cine se basa en la secuencia de fotografías continuas, es decir, el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte. Por otra parte, a la creación documental o periodística se le clasifica según su género. Así, la industria cinematográfica, en general, se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay.

RECORRIDO HISTÓRICO

Historia

La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo.

La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al crear el kinetoscopio, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas.

Así, la historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Méliès quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzo a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusierón guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.

Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevo". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.

Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó sus habilidades y conocimientos de magia, y los aplicó bajo la forma de efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía.

De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.

También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.

HOLLYWOOD Y STAR SYSTEM: cine mudo y cine sonoro


Hollywood y el Star System


En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.

Al principio, los estudios sobre el cine eran controlados por judíos y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica.

Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos.

Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, en donde contaba más el peso del productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.

Cine mudo
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.


El cine sonoro
La siguiente gran barrera era incorporar sonido a las películas. En 1927, los estudios Warner Bros, que se encontraban en una muy delicada situación financiera, apostaron por integrar un nuevo sistema de sonido.

El resultado fue El cantante de jazz, la primera película sonora de la historia, en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y pronto el cine mudo pasó a ser algo del pasado.

La aparición del cine sonoro originó un terremoto de proporciones entre los actores, pocos de los cuales pudieron dar el salto desde el cine mudo al sonoro. Viejas glorias fílmicas vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción o su pésima voz, y nuevas surgieron en su reemplazo. Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió tozudamente haciendo filmes mudos fue Charles Chaplin, con Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

El surgimiento del cine sonoro llevó al desarrollo del concepto de banda sonora. El antiguo pianista que acompañaba las funciones fue dejado en el olvido. La primera gran banda sonora digna de ese nombre es la que Max Steiner compuso para el King Kong de 1933.

CRISIS DE HOLLYWOOD Y NUEVOS RUMBOS DEL CINE

Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine

Hollywood entra en crisis

Para la Segunda Guerra Mundial, la maquinaria productiva de Hollywood estaba tan bien engrasada, que muchos estudios, controlados por judíos, pudieron prestar activos servicios creando filmes más o menos propagandísticos de apoyo a los Aliados, y en contra del Eje. Pero una vez terminada la conflagración, Hollywood experimentó problemas.

En primer lugar, hubo juicios contra los estudios por el monopolio que ejercían. En 1948, los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse de las cadenas de cine, debiendo limitarse a la producción de las películas, perdiendo la distribución. Al mismo tiempo, los artistas, cada vez más célebres, empezaron a rebelarse contra las imposiciones de los estudios. Olivia de Havilland llevó su contrato a juicio, y tras un largo tiempo litigando, ganó. Con esto, el control que los estudios ejercían sobre actores y directores, se resquebrajó.
Para colmo, Hollywood debió afrontar un nuevo enemigo: la popularización de la televisión. Las series de televisión barrieron con las series de matinée, y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematográficos.

En un tiempo, se pensó que la televisión acabaría con el cine.
Hollywood respondió reforzando los aspectos en los cuales la televisión no podía competir, concretamente la espectacularidad. Así, el género épico experimentó un nuevo auge, con filmes como

El manto sagrado, Sinuhé el egipcio o Ben-Hur. Todos ellos se beneficiaron de avances técnicos como la pantalla panorámica, gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope.
En esta época se estandarizó el cine en color. Technicolor ya había nacido en el año 1917, aunque en un proceso más rudimentario que sólo utilizaba dos colores, que evolucionó a lo largo de los años 20 y primeros 30, hasta que en 1934 se estrenó la primera película con una escena de acción real en Technicolor de tres colores, El gato y el violín. Poco después Becky Sharp (1935) sería el primer largometraje íntegramente rodado a color.

A pesar de todo ello, las complicaciones de rodar a color (se requería el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas) hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una década y media más.

Con la evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición de otras compañías de cine a color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia, el cine en blanco y negro quedó relegado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artísticas.

La renovación del cine en Estados Unidos
Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial.

Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes, junto a otros nombres como Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey, Elaine May, Mark Rappaport y Robert Kramer. Directores como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich también contribuyeron a ese paso del cine americano, pero siempre más amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes.

Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante, pero no siempre se recuerda que en sus inicios, eran cineastas independientes cuyas propuestas (American Graffiti en el caso de Lucas, o Tiburón en el de Spielberg) eran consideradas como excéntricas.

También prendió con fuerza, en la serie B, el cine explotation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero.

El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época.

CINE COMERCIAL CONTRA CINE DE ARTE


Cine comercial contra cine arte


A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más gigantes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendo Estados Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo.

Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo.

En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos.

De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo azul, Twin Peaks), el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.

Esta línea divisoria se observó en particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales" aspiraban a ganar principalmente el Oscar, mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo, Shakespeare in Love), y cineastas "artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro Almodóvar).

El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y filmadas con iluminación natural.

Esto fue posible en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier, quien de todos modos después se desmarcó del movimiento.

EL CINE E INTERNET


El cine e Internet

La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras.

La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales sólo los actores protagónicos, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul.

Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de sus filmes en animación tradicional El planeta del tesoro y Vacas vaqueras, cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.

Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad.

El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiéndolas entre ellos.
Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet.

Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube.

También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine.

Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.

También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentra en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia de Internet. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.

EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

El lenguaje cinematográfico:

El cine es arte, lenguaje y medio de comunicación. Habla por medio de imágenes, de los encuadres, de la palabra hablada, de los efectos especiales, del montaje, del color y de los sonidos.

El lenguaje del cine se basa en la fotografía, en la música, en la literatura, en el cómic y en todos los fenómenos artísticos. De la misma forma, el cine influye en las demás artes, aportando sus formas de expresión.

El cine se expresa de múltiples y variadas maneras, constituyendo así el lenguaje cinematográfico.

El lenguaje del cine parte fundamentalmente de cuatro elementos básicos: la selección de partes de realidad, los movimientos, el montaje y el sonido.


El encuadre
Una película se compone de fotogramas (cada fotografía encuadrada). Cada segundo, pasan 24 fotogramas por la pantalla, lo que quiere decir es que la velocidad de una película normal es de 24 imágenes (fotogramas) por segundo. La unidad básica del lenguaje cinematográfico es el plano, que se compone de muchos fotogramas (selecciones de realidad).

Detrás del objetivo, a través de un visor, está el ojo humano que opera siempre selectivamente. Según la distancia y la inclinación de la cámara respecto del tema filmado, obtendremos de una misma imagen real una muy variada gama de resultados. La acción de seleccionar la parte de imagen que importa a la expresión buscada recibe el nombre de encuadrar. Al encuadre se le llama comúnmente plano

El elemento básico, el más pequeño, para la toma de imágenes nace de la fotografía y se denomina fotograma. El fotograma selecciona solamente la parte de la realidad que puede abarcar el objetivo, que depende del ojo humano, de la intención de quién filma. Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada, es decir, el encuadre, puede variar sustancialmente la visión de la realidad.

Es importante, en educación, hacer ver el valor del encuadre, pues al mismo tiempo que logra centrar la realidad para poderla fotografiar o filmar, la limita, la restringe, lo que hace posible, para bien o para mal, manipularla. La intencionalidad de quien filma o fotografía, se hace realidad, en primer lugar, en el encuadre.

Tipos de plano. Los movimientos en el cine

Plano general (Long shot):Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Plano panorámico general:
Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.

Gran plano general:Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo

Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio (Medium shot):Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio largo: Que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano medio corto (Medium close shot): Encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.

Primer plano (Close up): Encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Gran primer plano: Cuando la cabeza llena el encuadre.

Plano corto: Encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.


El tiempo

Tiempo real: El que tarda en ocurrir un acontecimiento en la realidad. Una muerte en tiempo real vista en un noticiario de televisión se desarrolla en fracciones de segundo.

Tiempo fílmico: El que se produce por manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una visión intencionada y distinta del acontecimiento. La muerte citada anteriormente, realizada a cámara lenta, puede hacer fijar en el espectador detalles que facilitan la comprensión del mensaje.

Tiempo de filmación. El tiempo que se tarda en filmar, «rodar», una escena.

Adecuación: cuando el tiempo real y el tiempo cinematográfico son los mismos.

Distensión: cuando el director alarga la escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o intenta que el espectador se fije más en los detalles.

Condensación: se suprime una parte del relato que el espectador debe suplir con su imaginación. Se llama también elipsis.
Hacia atrás y hacia el futuro en el tiempo: Con el «flash-back» (tiempo pasado), se relata lo que ya ha sucedido. Con el «flash-forward» (tiempo futuro), lo que está por venir.


El montaje

Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.

Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.

Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.



Funciones de la música en el cine:

1. Función rítmica:
-La música se emplea como contrapunto de la imagen.
-La duración de la imagen y de la frase musical son exactas.
a) Reemplazar un ruido real.
b) Resaltar un movimiento de un elemento de la
acción.
2. Función dramática:
-La música se emplea como un elemento que puede ser útil para que el espectador comprenda el significado de la acción

El color y la luz

El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores, y una más amplia libertad para el juego de carácter creativo.

Los cineastas del cine en blanco y negro, no obstante, llegaron a adquirir unas cotas altísimas de perfección fotográfica, de contrastes entre luz y sombras y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación.

La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película
La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes.

Actualmente, en muchos casos, el cambio de color, o su saturación e intensidad, se realiza por métodos digitales. Los operadores y técnicos de fotografía saben dar a cada escena el tono, intensidad, o saturación adecuada a la secuencia que se está filmando.

Usos del color en el cine:

El color pictórico: Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.

El color histórico: Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.

El color simbólico: Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.

El color psicológico: Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.

El color y la perspectiva: Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.

Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto.

Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.

El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.


Los fundidos

Para separar las distintas parte, secuencias, el cineasta ha de recurrir a diferentes pasos y elementos de paso, llamados cortes cuando se hacen directamente.

En gramática cinematográfica pudiéramos llamarles signos de puntuación.

Cuando se hacen gradualmente se realizan con los llamados «fundido en negro» y el «fundido encadenado».

El primero es un oscurecimiento de la pantalla al que seguirá una apertura para iniciar la fase siguiente. En el segundo, o sea en el fundido encadenado, la última imagen del plano se va disolviendo mientras, en sobreimpresión, se va afianzando la primera imagen de plano siguiente. También se utiliza el barrido, cuando la cámara se mueve a toda velocidad de un objeto a otro, o las cortinillas, cuando las imágenes se desplazan hacia un lado o hacia arriba o abajo.


Equipo técnico

Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusion de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".
También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.

Dirección:
El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.

Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematógráfico se distinguen el guión literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.
También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con dialoguistas que están especializados en escribir diálogos.
El papel del guinista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una pélicula excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la pélicula quedará vacía.

Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el sonidista y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.

Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.
El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o aprendices.

Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador.
El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición offline.

Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.

Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actríz podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación.

Storyboards: El storyboard se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

COMUNICACIÓN Y CINE


COMUNICACIÓN Y CINE:


Algunos pensadores consideran las películas como formas de expresión y no de comunicación dado que en ellas se expondría solamente el punto de vista muy particular del director que no cuenta con un código de referencia fácilmente identificable.

Poloniato y la mayoría de los teóricos del cine se oponen a esta visión. Para ellos el cine implica, al igual que las lenguas habladas, tres planos comunicativos: el representativo, el expresivo y el apelativo.

El primero de estos planos se refiere a lo que se dice, es el lugar donde se presenta el mensaje comunicativo informativo xxix.

En el plano expresivo se expone la individualidad del director lo que posibilita la identificación del director por parte del espectador de una película cuyo director no conoce de antemano. Los encuadres, la composición de la banda sonora, el montaje, los contrastes tonales y otros elementos presentes en el filme permiten identificar el estilo de un director.

En el plano apelativo se busca disparar una reacción en el espectador, misma que paradójicamente puede consistir en la pasividad y enajenación. Sin embargo, en una película que no esté regida por una ideología de comercialización a cualquier precio, se apela frecuentemente al despertar de la conciencia con respecto a determinados fenómenos que se exponen en la cinta.

Como vimos, el manejo de estos tres planos constitutivos del cine puede ser empleado para transmitir mensajes en favor o en contra del hombre, es decir, el cine como medio de comunicación no es ni bueno ni malo. Lo decisivo en este aspecto es el tipo de mensajes que se transmite en una película.

Desde la lectura inmediata, lo que le interesa, lo que le llega, lo que percibe, lo que le queda, es la historia, su contenido y la intención de ella. Para ello se necesita un guión, que será interpretado y puesto en pantalla. Lo redactado llegará al público mediante un proceso que puede modificar al original.

De un buen guión se puede interpretar una mala obra, y viceversa. El guionista debe saber comunicarse, hacerse entender por un complejo y diverso equipo de personas que esperan intervenir, no es suficiente tener ideas e imaginación narrativa, hay que saber expresarse. Un guión se inspira en una novela, en una pieza teatral o en una obra lírica.

Cada una tiene sus reglas y lenguajes, de ahí expresiones como: “la novela es mucho mejor que la película”, porque se emplean herramientas comunicativas y expresivas diferentes. El cine y la literatura son dos lenguajes distintos.

Las obras descriptivas, realistas o naturalistas se prestan más a ser trasladadas es imágenes y sonidos que las de carácter simbolista o imaginativas, donde los guionistas y dialoguistas se verán obligados a la interpretación de pasajes y personajes. Lo mejor sería contar con la opinión del dramaturgo.

Cuando el cine mudo existía el recursos de los carteles escritos intercalados o de los subtítulos exigía una condensación de textos necesaria y de diálogos imprescindible.

Con la palabra se abrieron las posibilidades para muchos textos y hubo fluidez visual, propia del lenguaje del cine.

No hay arte que nazca y se desarrolle de forma autónoma, todas las artes se interrelacionan de alguna manera en lenguaje, color, forma, tono, incidencia, etc. los estilos de hacer y expresarse, los estilos de vivir se reflejan en las obras.

La vida social se ve influida por los films. Ciertos géneros fílmicos y algunas modas lanzadas por la pantalla han sido imitados por los ciudadanos, esto se llama “sociología del cine”. Se ha producido una innovación del pensamiento y la creación.


El cine mudo: comunicación gestual.

Un método muy claro de la comunicación por los sentidos lo encontramos en el cine mudo. Tras buscar blogs que tratasen algo relacionado con mi temática os dejo el enlace de uno que me pareció muy interesante para recoger opiniones:

Como todos sabemos en los principios del cine no se hacía uso del lenguaje para transmitir, y ¿alguien pondría en duda la fuerte carga expresiva de las peliculas de esta época? ¿acaso no nos suenan grandes actores como "Leatrice joy" , "Buster Keaton" o "Charles Chaplin" ?

Por unos años no importaba la lengua hablada por los actores y las mismas imágenes recorrían los cines de todo el mundo consiguiendo transmitir un mensaje claro por medio del LENGUAJE UNIVERSAL: LOS GESTOS.

GÉNEROS DEL CINE

GÉNEROS DEL CINE:

· Géneros específicos del cine:

Documental:


Representa la realidad. Se parte de una materia que se elabora y que es subjetiva. El autor escoje de la realidad fragmentos que le interesan y los combina con el fin de producir un sentido sobre esa realidad: crítico, distanciado, dialéctico, partidario, etcétera. La objetividad informativa no existe, solo aflora del espíritu del cineasta y su manera de ver el mundo. El documental está relacionado con la historia. La gente se cansa de mirar la televisión y cuando sale quiere ver cosas relacionadas con los problemas actuales. No es enseñar, sino mostrar lo que pasa. El reportaje ofrece una elaboración profunda. El punto de vista apenas es perceptible, todo lo que se ofrece atañe a una inmediatez que conviene divulgar sin más conjeturas ni contextualizaciones. Los reportajes suelen ser descriptivos, se elaboran a base de juntar reportajes parciales de un mismo tema. Destacamos el film-encuesta, el noticiario gráfico, el cine antropológico y etnográfico, el cine-ojo, el cine-verdad, el film-track, de breve duración, reportajes filmados a pie de calle son subgéneros del documental. De los cines han desaparecido los noticiarios de actualidad ya que sus contenidos han sido absorbidos por la televisión y ha decrecido la exhibición en salas de documentales de larga duración. Ahora son emitidos por la pequeña pantalla.

Western:


Son películas del oeste norteamericanas. Es una epopeya sobre el nacimiento de América y la conquista del Oeste. La vida es la rural de los pueblos del lejano oeste, con la presencia de vaqueros caballistas enfundados, los indios de las tribus, con sus vestimentas y ritos, y el policía con su placa y sus habilidades para mantener el orden y hacer respetar la ley y por último el ejército opresor o salvador según convenga. El western es un muestrario de primitivismos y racismos, de machismo y violencia. No falta el juego y la bebida como compañeros inseparables. Se muestran grandes espacios, los rodajes son en exteriores, abundan las persecuciones y las escenas con manadas de ganado, diligencias a galope, etc. esto exige planos generales y de situación. En los años ochenta se produjo un renacer del género agotado. Se forzaba la vertiente psicologista y la estética mitológica, llamándose estern “crepuscular”. Pero los gustos y las modas cambian, a veces para no volver más.

Policíaco:


Es un género norteamericano vinculado a la historia de esta nación. Sus fuentes son el periodismo o la novela. Una variante es el thriller. Se trata de vidas de héroes y falsos héroes en penales y presidios. El film de gángsters nos habla de ladrones, criminales, policías e inspectores en pugna por la ley y el orden. El espionaje es un subgénero que trata de detectives privados. También hay series en Europa donde abunda la literatura del género. Los temas y los personajes son los mismos: gángsters, bandidos, detectives, mafia, alcohol, drogas, machismo, violencia. La ley siempre es la más fuerte.

Musical:


El sonido musical se introdujo en el año 1927. Es otro género norteamericano, de espectáculos musicales en Broadway. Hoy continúa dando vitalidad y audiencia. La movilidad de la cámara, la coreografía y el tratamiento del ritmo son sus características genéricas, unidas a la banda musical, el decorado y el vestuario, siempre bajo una historia que contar. Las tramas tienen una clave de comedia, drama o melodrama romántico. La ópera-rock es la musica filmada directamente en un concierto. El musical español es un subgénero, así como el videoclip o el disco film (videoclip de larga duración).

Comedia:

La narración suele ser en interiores, predominan los diálogos, clave en la relación entre las personas y donde se asienta gran parte del relato. El espacio y el tiempo es discontinuo. En la comedia normal sonreir y reir es el resultado: el cine cómico, lo grotesco, lo burlesco, el chiste directo y casi por sorpresa, el gag (reyerta entre adversarios), el slapstick (lanzar platos a la cara, o peleas por lo común) o el nonsense (situaciones que se plantean con una cierta lógica y se resuelven de manera insólita, sin sentido. También está el humor negro y la comedia dramática o dramamedia, el vodevil o comedia de enredos y la comedia musical, psicológica, de carácter crítico o político-social con un aire satírico.

Terror-fantástico:


Se mezclan la magia y la fantasía, las narraciones se relacionan con el policíaco. Se encuentran seres míticos, fantásticos, casi reales, terribles monstruos como Drácula o king-Kong. Se identifican con la ciencia-ficción si hay personajes y ambientes característicos. La iluminación es contrastada, vestuario y maquillaje especiales, así como los efectos especiales y la música, impactante e inquietante. Incorporación de sangre, descuartizamientos humanos y transformaciones animales para potenciar el horror y olvidarse de la fantasía. El terror fantástico se ha vuelto terror cruel al endurecer situaciones, efectos y personajes.

Ciencia-ficción:


El género nace casi con el cine. La fabulación y la fantasía son desbordadas. La base literaria es la fuente de inspiración y la base científica y tecnológica o de inventiva. Se refleja un pasado, presente o futuro real o imaginario con acción, trucajes y efectos especiales. La vestimenta es variopinta y los maquillajes son apropiados como sorprendentes. Hay elementos como satélites, galaxias, viajes interplanetarios, presencia de superseres, etc. sus variantes son la ficción-política o la política-.ficción, el terror-científico o la fantaciencia, que conecta con el terror-fantástico y el horror, el catastrofismo. Los efectos especiales son según los avances tecnológicos.

· Géneros híbridos del cine:

Histórico:

Nos referimos a films biográficos o religiosos, de romanos o epopeyas cinematográficas, leyendas reales o de ciencia ficción (mitológicas), y los bélicos (films sobre guerras), de propaganda (documentales), pacifistas o literarios (rememorativos a través de una narración). La base literaria puede ser un manual de historia o una novela histórica. Se caracteriza por su espectacularidad y exige la construcción de un tiempo y unos lugares desaparecidos o alterados en la actualidad. Hay fidelidad a los hechos, las circunstancias tal y como ocurrieron. Está emparentado con otros géneros como el policíaco, el western, el documental, etc.

Literario:

Adaptaciones de novelas, piezas teatrales, cuentos cortos, poesías,… es una variante de la adaptación teatral que originó una escuela en Francia que gozó de popularidad.

Aventuras:


Son films de géneros distintos que ponen de manifiesto un género híbrido. Se trata de el vivir y el convivir de los seres (racionales y no). Es una aventura en el tiempo y el cualquier lugar y mundo.

Dramático:

Composición literaria dialogada, de tema triste, que toca las fibras sensibles. Hay dramas históricos, musicales, románticos, terroríficos, eróticos, de miedo, dramas documentados y dramas puros. La tragedia es el poema dramático con acción, estilo elevante e impactante y narra situaciones funescas y acontecimientos lastimosos. El melodrama es el cine sentimental y suele hacer llorar. Las historias son visiones realistas de la vida normal cotidiana o novelas y piezas teatrales apropiadas, así como episodios inventados que podían o pueden haber existido. Se trata de el infortunio, el dolor humano, el deambular y el devenir de las víctimas. El futuro se vislumbra penoso. Estos seres se conducen como mejor pueden y en lucha de la moral, sus deseos, la vida y la necesidad de salir de la oscuridad. Los temas son sentimentales, pasionales, amorosos, etc. lo mejor y lo peor de la especie aflora. El melodrama guarda relación con la música, la ópera dramática y la música dramatizada.

Filosófico:


Son films que trabajan los valores existenciales del ser humano. Es subjetivo y vivencial (la realidad interior, psicológico). También explora la realidad exterior y sus repercusiones sobre la persona y alberga algo de misterio. Es enigmático y simbólico.

Colosalista y catastrofista:


Es un cine de alto presupuesto y compleja traducción. Mueve masas y precisa de grandes pantallas. Esta relacionado con la historia. El cine catastrofista narra episodios donde un colectivo está en peligro y será toda una pesadilla porque serán arrastrados a situaciones límite donde la angustia será la protagonista. En muchos casos no hab´ra salida, se presenta una visión de futuro negativa sobre el mundo.

Erótico:


Es la sensibilidad afectada o dañada por parte del espectador incauto y no advertido. El cine español ha aportado su toque de distinción al inventarse el sexy-celtibérico. Dentro del género erótico las situaciones, posiciones, visiones y ambientaciones extremas reciben una distintiva X, que alude al cine pornográfico. La X se refiere también al cine de violencia, que hace una apología desmesurada y exhibicionista de la violencia.

PROPUESTA DIDÁCTICA



PROPUESTA DIDÁCTICA: Matilda

· Sinopsis


Matilda es una niña muy inteligente y verdaderamente apasionada por los libros
desde muy pequeña pese a que vive en un entorno vulgar y mediocre con unos
padres que, lejos de ser modélicos, se pasan el día delante del televisor.
No apoyan el insaciable afán de saber de Matilda y la llevan a un sórdido colegio.
Allí todos viven aterrorizados por la terrible directora que hace la vida imposible a
los alumnos. Pero Matilda tiene la suerte de caer en la clase de la señorita Honey,
una joven y encantadora maestra que sabe valorar y apreciar los dones de la niña.
Pero las capacidades de Matilda son sorprendentes.
Una trama que habla sobre el placer de descubrir el mundo a través de los libros.
Un libro que cuestiona la autoridad, sobre todo moral, de los adultos.
Una adaptación fílmica que, pese a respetar el esqueleto de la obra, ofrece suficientes elementos de diferenciación (registro incluido) que permite trabajar con el texto literario y fílmico en ambos órdenes y sin que uno deje de lado al otro.

La propuesta

La propuesta se centra especialmente en la comparación de los lenguajes del cine y la literatura.

· Objetivos:

1.-Fomento de la lectura e iniciación al lenguaje del cine.
2.-Relaciones y diálogo padres-hijos
3.-Concienciar sobre las diferencias personales, posibilitando la aceptación mutua
4.-Reflexión sobre el sistema escolar

· Contenidos a desarrollar:

-Lengua

1.-Proponer la lectura de Matilda antes o después de ver la película.
2.-Abrir un debate en torno a las diferencias y los aspectos positivos o negativos de la adaptación cinematográfica respecto a la novela.
3.-Hacer ejercicios de motivación a la lectura: realizar una valoración crítica de diferentes libros, elaborar una gráfica estadística de las obras leídas en clase.

-Tutoría

Diálogo sobre la necesidad de aceptación de las diferencias de cada
alumno/a.

-Área de plástica

1.-Dibujar una carátula del libro
2.-Elaborar una propaganda de lanzamiento de la película.
3.-Hacer un mural con los objetos positivos de la película y los que consideran nocivos para la buena relación familiar y desarrollo personal.

· Edades y Cursos

Ciclos medio y superior de Primaria

· Temporalización

De cuatro a ocho horas

· Dossier > Actividades tras la película
·
-Actividades para re-pensar lo visto

¿Cuántas personas forman la familia de Matilda?
¿A qué se dedica su padre?
¿Y su madre?
¿Por qué quieren que esté Matilda en casa?
¿Cómo la llama su padre?
¿Cómo descubre sus poderes mentales Matilda?
¿A qué le tiene miedo la Srta. Trunchbull?
¿Qué animal está a punto de tragarse?
¿Qué creía ella que era?
¿Sabes lo que significan los nombres de los personajes al traducirlos del inglés? (Honey, Trunchbull,
Wormwood,..)

-Actividades de reflexión y debate:

1.-Observa los rasgos característicos de los adultos representados en el film.
2.-Haz una lista de los valores que defienden sus padres.
3.-¿Qué hace que Matilda sea diferente? ¿Qué reacciones provoca el pensar de manera distinta a los demás?
4.-Busca y escribe las diferencias entre la clase de la Srta. Honey y el modelo de escuela que defiende la Trunchbull.
5.-Imaginar cómo podría cambiará la vida de Matilda tras su adopción por la Srta. Honey que sí valora su manera de ser y se interesa por su mundo.

RECURSOS DIDÁCTICOS

RECURSOS DIDÁCTICOS PARA USAR EN EL AULA

Aquí aparecen algunos de los recursos didácticos que el profesorado puede usar en el aula para hacer uso del cine con los alumnos:

· Películas para usar en clase con niños de primaria e infantil:


-Kirikú y la bruja Ocelot, Michel Londres: Universal, 1998

Kirikú es un niño muy pequeño que sabe exactamente lo que quiere incluso antes de nacer. Es independiente, generoso y valiente, cualidades que necesitará emplear a fondo, porque Kirikú ha nacido en un poblado africano sobre el que la terrible bruja Karabá ha extendido un maleficio: no hay flores ni agua. Tienen que entregarle tributos y no quedan hombres porque según los habitantes del poblado, se los ha comido la bruja. El valiente Kirikú emprenderá un viaje lleno de peligros para encontrar la salvación de su gente.

-La vida de Bolly Elliot

La vida en el norte de Inglaterra en el año 1984 era muy dura debido a la huelga minera.
Billy Elliot vive con su familia en el Norte de Inglaterra. Es un chico de once años que ha perdido recientemente a su madre. Su padre y su hermano mayor, sólo tienen en la cabeza secundar la huelga minera de 1984. Pero la vida de Billy da un giro cuando en el gimnasio donde da clases de
boxeo observa a unas chicas de su edad aprendiendo ballet. Decide cambiar sus guantes de boxeo y
entregarse al baile en cuerpo y alma. Con ayuda de la señora Wilkinson irá introduciéndose en ese mundo, ante la oposición de su familia.
Billy sólo recibe el apoyo de su mejor amigo Michael y de su profesora de ballet la señora.
Wilkinson que ve en él un gran potencial para llegar muy alto en el mundo del baile. Esta actitud recibe la fuerte desaprobación de su padre y su hermano que ven el ballet como "algo de chicas" y encierran a Billy en casa para alejarlo de él. Aún con su familia en contra, Billy seguirá luchando por el baile hasta conseguir su máximo sueño: debutar en un teatro del West End londinense. Sueño que conseguirá 15 años después en un espectacular debut en el que demostrará un talento innato.

-La lengua de las mariposas

Comienzos de 1936. En un pequeño pueblo gallego Moncho apodado "gorrión", un niño de
ocho años, se va a incorporar a la escuela. Tiene miedo ya que ha oído decir que los maestros pegan. Sus miedos se apagarán gracias a Don Gregorio, un maestro sensible, humanista y liberal con quién "Gorrión" comenzará a aprender los valores de la amistad, la libertad y el amor. Don Gregorio inculca a sus alumnos conocimientos tan medulares como poco académicos: el origen americano de las patatas o que las lenguas de las mariposas tienen forma de espiral. Con la llegada de la primavera, Don Gregorio saca las clases al campo. El 18 de julio todo se romperá y los valores y principios inculcados quedarán relegados al olvido. Cuando el maestro es detenido, el chico se verá acorralado entre el instinto de conservación y lo que el maestro le inculcó.


· Recursos en la web:

http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/extras/enlaces.html : Enlaces de interés y apoyo a los contenidos de MEDIA Cine, clasificados por bloques.
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque10/index.html: Actividad interactiva que consite en crear una película con alumnos de secundaria.
http://elenet.org/comunidad/cv.asp?IDcolaborador=79: Acctividad para poner a los alumnos en contacto con la cultura española a través del cine.

· El cine como recurso didáctico en la educación intercultural:

http://www.feremadrid.com/muestras/documentosatc/MC%20Cine%20Secundaria.pdf: Es una excelente página web donde se muestran una serie de películas que ayudan al fomento de la igualdad y el respeto en la educaciín intercultural.

RECURSOS PARA EL PROFERSORADO


En este apartado hemos seleccionado algunos recursos sobre cine que pueden ser útiles para el profesorado:

· Páginas webs: Este apartado está dedicado a páginas webs sobre cine, muy útile a la hora de buscar información relacionada con el cine.

-Aula de cine: Lugar de encuentro y cauce para facilitar a los docentes información, materiales y publicaciones relacionados con el uso didáctico del cine, un catálogo on-line de recursos fílmicos de los Centros de Profesores y centros escolares que quieran colaborar en el proyecto, un canal de comunicación entre profesores y un elemento de apoyo a las actividades destinadas a promover la formación y el intercambio de experiencias en este campo. Es una página muy interesante y con grandes posibilidades.

-El cine en la escuela: Una forma práctica de introducirse y ahondar en el lenguaje de la imagen.
-http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/index.htm: un punto de encuentro para quienes desean una educación más creativa, eficaz, interesante y solidaria

-http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/index.html: Página del ministerio de educación y ciencia donde encontrarás desde la historia del cine hasta materiales docentes para desarrollar en clase.

-http://www.isftic.mepsyd.es/profesores/descargas/formacion_profesorado/ : Desde esta página, podrás acceder a los materiales de autoformación dirigidos a la comunidad docente que han sido elaborados en los últimos años por el ISFTIC. Encontrarás materiales estructurados en torno a recursos didácticos y materiales para el aprendizaje de diversas herramientas informáticas.

· Revistas de cine: Algunas de las mejores revistas de cine que se encuentran en la web.

-http://www.cineparaleer.com/ : la sección de cine de la desaparecida (y mítica) revista "Reseña". Una lectura imprescindible en la red.

-ENCADENADOS. Revista de Cine (la decana de Adolfo Bellido) http://www.encadenados.org/

-LA BUTACAhttp://www.labutaca.net/

-MIRADAS DE CINE. Revista de actualidad y análisis cinematográficohttp://www.labutaca.net/

-ZINEMA.COMhttp://zinema.com/

-FILMHISTORIA-Online (revista de la Universitat de Barcelona)http://www.pcb.ub.es/filmhistoria/

-CINE POR LA REDhttp://porlared.com/cinered/


· Libros reconmendados:

-Cine e hisrtoria: Las imágenes de la historia reciente. Emilio C. García Fernández

- El cine / redacción de textos Pablo Mérida de San Román.

- Cine y comunicación / Alicia Poloniato

- Cine y educación : el cine en el aula de primaria y secundaria / Ramón Breu Alba Ambrós

- Cine y literatura : relación y posibilidades didácticas / Gemma Pujals, Celia Romea